Originaire de Donosti en 1969, mais installée depuis des années au bord du fleuve Miño, dans un cadre bucolique à Outeiro de Rei (Lugo), Idoia Cuesta utilise constamment un mot lorsqu’elle parle de son travail : jouer. Car rechercher et innover avec des techniques ancestrales, les adapter et les amener jusqu’à nos jours, c’est peut-être ce que cette artisane moderne aime le plus dans son métier.

Sa curiosité, son amour de la nature et sa capacité de travail l’ont amenée à expérimenter différentes techniques, à fusionner avec succès vannerie et textile et à découvrir au passage de nouvelles matières pour satisfaire sa créativité, tout autant qu’à collaborer avec de grandes entreprises et des professionnels. Son panneau à lattes en châtaignier est celui qui accueille les visiteurs du magasin phare de Zara Home à La Corogne ; elle tisse des sacs et réalise des vases en cuir tressé pour Loewe ; la boutique d’Adolfo Domínguez à Ourense présente son installation en forme de vigne au plafond ; ses corsets en osier pour la créatrice de mode Maya Hansen sont de la pure fantaisie.

Idoia Cuesta touche une fibre – laine, jute, chanvre, plastique recyclé, textile, peu importe – et la magie opère. Il n’est pas surprenant qu’elle ait déjà reçu le Prix National de l’Artisanat (2014) et le Prix Galicien de l’Artisanat (2021).

Dans ce rendez-vous CONNEXION AVEC…, nous l’interviewons pour mieux la connaître, elle ainsi que son travail.

La vannerie, dites-vous, est bien plus que la simple fabrication de paniers. Qu’est-ce que cela représente pour vous ?

Pour moi, être vannière, c’est pouvoir travailler avec les fibres que la nature vous offre, voire de travailler avec d’autres types de matériaux comme une innovation : pouvoir appliquer les techniques de vannerie à d’autres matériaux.

Vous avez suivi une formation de zoologiste marine. Quelle part reste-t-il de la biologiste Idoia Cuesta chez la vannière Idoia Cuesta ?

Je crois qu’au final toute la formation reçue tout au long de la vie est là, qu’elle laisse des traces. En fait, je voulais étudier les Beaux-Arts, mais ils ne m’ont pas laissé faire, alors j’ai fait de la biologie, ce que je ne regrette pas du tout. Mais je pense que oui, que mes études m’ont même aidé à connaître tout le monde des fibres végétales et des cycles végétaux. Il reste donc quelque chose de cette formation en biologie, en écosystèmes, en zoologie. Au final, la nature est toujours là, dans mon travail des formes organiques. Et je l’utilise dans mes collections.

Dans la dernière, Abisal, la mer est très présente. Les pièces ressemblent à quelque chose de vivant, comme des méduses ou des anémones. Cela donne envie de les toucher. De plus, c’est la collection avec laquelle j’ai reçu le prix de l’artisanat galicien 2021.

J’habite à Lugo, à côté de la rivière Miño, au milieu de la réserve de biosphère, qui est un endroit merveilleux, un cadre magnifique, avec des forêts riveraines, et j’ai de l’eau à proximité, mais c’est vrai que ce qui me manque le plus, c’est la mer. Elle m’a toujours attiré et je passe toujours l’été sur la côte de Lugo, où je suis plus en contact avec elle.

 

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C’est là que vous avez trouvé le matériel avec lequel vous avez ensuite créé Abisal, dans un magasin de fournitures de pêche ?

Oui, je l’ai découvert par hasard. C’est un tanza, un nylon qui est utilisé dans un art traditionnel de la pêche et c’était comme un jeu. J’ai pensé que je devais tisser quelque chose avec ce matériau et ces formes organiques marines qui ressemblent à des anémones sont apparues, comme de l’actine des fonds marins. Effectivement, il y a un peu de toute cette inspiration marine. Et, en plus, comme la matière est transparente, translucide, elle joue aussi avec la lumière, ce qui m’a d’abord fasciné lorsque je faisais les prototypes des pièces. En fonction de la façon dont je les éclairais, de la façon dont la lumière du soleil les frappait ou même d’un projecteur, elles généraient des ombres, elles changeaient de couleur… C’était merveilleux de découvrir comment la lumière les affectait et comment la pièce se transformait. Parce que c’est vraiment un panier, mais il peut avoir ce double jeu d’utilisation, comme panier et puis, bien éclairé, il peut changer et devenir un autre concept, un luminaire.

 

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Le Homo Faber Guide, la plateforme des meilleurs métiers d’art européens, a reconnu le travail de votre atelier. Vous considérez-vous comme une néo-artisane ?

Bon, je ne sais pas si je suis si néo, mais au final ce guide européen est une reconnaissance des métiers, de la maîtrise, des savoir-faire traditionnels et de leur apport au monde contemporain. C’est une belle reconnaissance pour valoriser tous les métiers traditionnels.

Pensez-vous que la technologie est compatible avec l’artisanat ou ce sont deux mondes parallèles qui ne se touchent pas ?

Eh bien, je pense qu’ils sont compatibles. Ce qui se passe, c’est que l’artisanat continue d’être, dès sa conception, quelque chose de manuel, et maintenant nous nous aidons des nouvelles technologies. Même pour concevoir des prototypes, nous utilisons souvent des moules réalisés en 3D. La technologie est là, elle est là pour être utilisée et fusionnée avec l’artisanat.

Quels sont selon vous les piliers de votre travail ?

La base de mon travail, ce qui me motive au quotidien, c’est le fait que je suis toujours en mouvement, à la recherche de nouveaux matériaux, ou de défis comme des collaborations avec d’autres entreprises ou avec des équipes de design et d’architecture et d’architecture d’intérieur. C’est ce qui me motive pour continuer à créer et toujours chercher de nouvelles choses ou à pouvoir appliquer mes connaissances à de nouveaux projets. Et puis une autre des choses qui me motive beaucoup, c’est de pouvoir donner des formations, continuer à transmettre le métier. Ce sont les deux piliers forts de l’accompagnement : d’une part, assurer la formation et, d’autre part, continuer à collaborer et à travailler avec les entreprises et sur de nouveaux projets.

Créer c’est jouer et expérimenter pour vous ?

C’est tout cela et plus encore, car au final, la création est parfois compliquée. Lorsqu’il y a un certain projet ou une mission, vous avez des limites et vous devez travailler avec cela. Et puis créer à partir de zéro et générer quelque chose de nouveau est beaucoup plus compliqué et requiert beaucoup, beaucoup de travail. Comme j’ai l’habitude de le dire, l’inspiration vient quand on travaille dur et qu’on se dit « eh bien, maintenant avec ceci je pourrais faire cela », et au final les idées viennent de là. Vous devez naviguer toute la journée, chercher des choses.

 

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Le concept de beauté a-t-il changé ces dernières années, voyons-nous la beauté avec des yeux différents ?

Il me semble que oui. Après cette pandémie que nous avons traversée, les gens commencent à apprécier davantage les beaux objets. Au final, après avoir passé tant de temps chez soi, tout le monde valorise désormais le fait d’avoir des matériaux nobles, des éléments qui rendent la vie un peu plus agréable. Dans ce domaine, l’artisanat a encore beaucoup à dire et à donner. Car c’est un peu ce qu’il fait : faire des produits qui ont une âme, faire des pièces presque uniques.

Quelles sont vos sources d’inspiration ?

La vérité est que puisque je vis dans un environnement naturel, mon inspiration est la nature, c’est ce qui m’inspire au jour le jour. Mais ensuite, quand je voyage, quand je suis dans les villes, eh bien, je vais toujours à des expositions parce que je trouve très intéressant de voir ce qui se fait, les nouvelles tendances du design. Je crois que l’inspiration est partout, même dans les vitrines. Plusieurs fois, vous devez être éveillé, vous ne savez jamais d’où cela va venir. Mais oui, c’est un peu ça : l’environnement dans lequel je vis, qui est très naturel, et puis quand je me déplace dans les villes, j’y cherche aussi l’inspiration. Par exemple, récemment j’étais à Paris au salon Maison&Objet et rien qu’en le parcourant un peu je voyais déjà les tendances, là où les marques bougent. Et puis, bien sûr, les réseaux sociaux, qui sont comme une fenêtre sur le monde.

 

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Et que vous utilisez beaucoup ?

Oui, pour m’ouvrir, partager, me montrer, interagir.

Fusion, métissage, l’hybride. Est-ce une de vos marques de fabrique en tant que créatrice ?

Certes. D’une part, je cherche toujours à fusionner les techniques, à la fois textiles et vannerie, voire de nouage comme le macramé ou le crochet. Et puis, d’autre part, fusionner ces techniques avec des matériaux, à la fois naturels et recyclés ou d’autres nouveaux matériaux. C’est toujours ce jeu de chercher des choses pour pouvoir les fusionner. Oui, c’est le mot.

Avec votre travail, aimez-vous relier les choses, les époques, les cultures, les gens… ?

Oui, au final toute l’inspiration et tout le savoir-faire ancestral du métier de vannerie sont des techniques universelles. C’est vrai que j’ai été formée en Galice, j’ai toute cette culture traditionnelle et puis j’emmène ces techniques dans d’autres domaines ou je les applique d’autres manières. Mais ce savoir traditionnel est là. Je continue à me former aux techniques. J’aime apprendre tous les jours, continuer à me former.

Comment se passe votre processus de création ? Y a-t-il une partie que vous préférez davantage ?

Pour moi, il y a deux chemins, deux processus créatifs. D’une part, lorsqu’il s’agit d’une commande ou de la réalisation d’un prototype de quelque chose de spécifique, sur la base de cette idée, je recherche le matériau et la technique les plus appropriés pour pouvoir réaliser ce travail, je recherche ses possibilités. D’autre part, il y a l’autre chemin, à l’envers : je me retrouve avec une matière différente et je me dis « qu’est-ce que j’en fais ? », ou je réfléchis à comment la tisser, comment lui donner forme, comment je peux faire un volume, quel usage en faire. C’est comme jouer pour voir ce qui arrive. Je dirais qu’un chemin est plus fermé et l’autre plus libre, plus ouvert. J’apprécie les deux. Mais ils sont aussi durs. Lorsque vous avez une mission, il y a un effort supplémentaire pour qu’elle puisse se concrétiser. Bien qu’il soit également vrai que parfois je travaille avec des designers et qu’il y a cette connexion, cet échange d’idées, c’est la chose la plus intéressante dans le processus créatif, quand il y a ce dialogue, cette croissance. Dans l’autre cas, c’est partir de zéro, c’est plus libre et des choses intéressantes arrivent toujours.

 

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Mais est-ce tout aussi enrichissant ?

Oui, oui, et épuisant aussi (rires). Souvent, tout cet effort créatif n’est pas valorisé lorsque vous voyez un objet, une pièce. Mais y arriver est difficile.

Avez-vous du matériel fétiche, un plus spécial que les autres ?

Bon, dans mes collections précédentes je travaillais toujours avec de la laine feutrée, c’était ma matière fétiche. Mais maintenant, avec les problèmes de transport, d’obtention de matière première, qui deviennent assez compliqués, je suis revenue aux fibres végétales, à quelque chose de plus proche de ce que je peux réaliser dans la péninsule ibérique, de sorte qu’il n’y a pas besoin d’importer. En ce sens, je reviens maintenant à l’osier, la fibre naturelle par excellence en vannerie, et aux lattes de châtaignier, qui me permettent d’en faire une collection, dirons-nous, plus locale.

 

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Osier, laine, châtaigner, nylon… Quel contraste ! Vous n’avez aucun préjugé. Qu’est-ce qui vous pousse à choisir l’un ou l’autre ?

La matière conditionne la technique avec laquelle vous allez tisser, mais je ne me fixe pas de limites. Avec Loewe, par exemple, avec qui je collabore depuis longtemps, je travaille le cuir et c’est quelque chose qui me confronte à de nouveaux défis sur la façon de tisser le cuir, en feuilles, en lanières, en cordes… Au final, les matériaux transmettent différentes choses, différentes sensations sont générées lorsque vous travaillez avec l’un ou l’autre et permettent d’obtenir différents objets. Mais le challenge c’est d’avoir des matières différentes et de voir avec quelle technique on peut les tisser.

 

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Vous parlez parfois d’objets trésors. Que sont-ils ?

J’avais une pièce héritée de mon grand-père. Mon grand-père est mort avant que je sache qu’il fabriquait des paniers. Donc, retrouver l’outil qu’il utilisait pour les fabriquer représentait pour moi une sorte d’héritage. Et maintenant je l’ai avec moi, c’est un ouvre-lames en osier sculpté dans du bois de noisetier. Il lui appartenait et il m’est resté en héritage. C’est un objet trésor, qui me plaît, me motive et me transmet cet héritage de l’artisanat traditionnel.

Et l’utilisez-vous ?

Bien sûr. J’en ai fait un plus moderne car je garde celui de mon grand-père comme trésor, mais oui, je l’ai.

Vous avez collaboré avec des firmes reconnues et avec de nombreux professionnels de tous horizons. Est-ce la nouvelle méthodologie de travail ?

Oui, car je crois, comme je l’ai dit au début, que la vannerie ne consiste pas seulement à fabriquer des paniers, mais qu’il est possible de porter ses techniques dans d’autres domaines et de les appliquer à l’aménagement intérieur, à la décoration, aux installations… Tout cela est merveilleux, même faire de l’aménagement paysager en plantant du rotin vivant pour faire des clôtures naturelles ou pour faire des dômes dans les cours d’école et changer cet espace de ciment pour quelque chose de vivant. Il y a plusieurs chemins ouverts et la vannerie, dans ce cas, permet d’accéder aux accessoires de mode, la mode elle-même. Ce sont ces collaborations qui m’émeuvent, je les trouve très intéressantes.

Avez-vous un designer ou un artisan de référence ? Avec qui aimeriez-vous collaborer ?

Eh bien, je travaille déjà avec pas mal de gens dont j’aime ce qu’ils font, mais celle que j’ai toujours suivie et qui me motive pour voir comment elle utilise toutes les techniques de tissage dans ses collections est Patricia Urquiola. Elle fait partie des grands et de mes références. Aussi, les frères Campana, des créateurs actuels qui jouent avec les fibres et les tissus. Et bien d’autres encore !

Vous enseignez à l’université, vous animez des workshops… L’un d’eux était pour Finsa lors du dernier Madrid Design Festival. Comment était cette expérience ?

C’était incroyable. C’était aussi un pari de jouer avec un matériau tel que le placage de bois. Après avoir visité l’usine Finsa de Padrón et vu comment les stratifiés et le contreplaqué sont fabriqués à partir de différents arbres, j’ai trouvé impressionnant de pouvoir réutiliser ce matériau de coupe parfois jeté. Il s’agissait de jouer avec cette matière et de créer un panier tressé, avec la technique du plaiting, du sillon. La surprise de cet atelier a été que beaucoup de monde est venu. Nous pensions que seules des personnes de Madrid allaient y assister et il s’avère qu’il y avait des personnes de Barcelone, d’Argentine et de bien d’autres endroits, qui étaient de passage à Madrid et avaient entendu parler de l’atelier. C’était une fierté d’avoir des élèves aussi bons et créatifs.

Vous avez également écrit un livre, Plantas cesteables de Galicia (Plantes de Galice servant à la vannerie en espagnol). Vous n’êtes pas avare de vos connaissances, vous les partagez beaucoup.

Bien sûr, j’ai tellement aimé et j’aime encore tellement me former et suivre des cours que maintenant j’ai besoin de transmettre ce que je sais. Je le fais aussi un peu pour les nouvelles générations, pour tous ces jeunes qui étudient, qui sont dans les écoles d’arts appliqués, qu’il faut continuer à promouvoir, et à qui il faut montrer les possibilités de formation dans un métier artisanal pour ensuite pouvoir l’appliquer. Je crois qu’il y a un avenir dans ces métiers, il y a une véritable pépinière. C’est super intéressant tant que toutes les personnes qui étudient et se forment ouvrent leur esprit à d’autres possibilités et, qui sait, peut-être que de futurs architectes d’intérieur ou sculpteurs utiliseront également les techniques de vannerie dans leurs projets.

Jouez-vous avec quelque chose de nouveau maintenant ? Avez-vous un autre défi en tête ?

Effectivement, bien que je ne puisse pas beaucoup en parler. Nous travaillons sur un projet avec une usine, nous réalisons déjà des prototypes, avec l’idée de créer des lampes. C’est très intéressant. Il s’agit d’une plante cultivée en Galice et le projet fait de la R&D. La nouvelle collection sortira bientôt.

Vous voyez-vous dans un futur proche davantage comme une artiste et peut-être moins comme une créatrice de pièces fonctionnelles ?

Voyons, c’est un peu une évolution logique. L’artisanat a toujours été utilitaire et je continue à faire des pièces utiles, des collections à usage spécifique. Mais de temps en temps, faire quelque chose de plus artistique me permet de jouer d’une manière différente et, au final, même en utilisant les mêmes fibres, je crée des choses différentes qui n’ont pas d’utilité en soi, mais sont plutôt pour des installations ou pour des expositions. Et en ce moment, l’art textile est en vogue. En fait, au dernier salon ARCO, il y avait beaucoup d’artistes textiles avec beaucoup de matériaux. C’est une voie que j’aimerais expérimenter et explorer.

 

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Que pensez-vous que votre grand-père vannier dirait de vous et de ce que vous faites ?

Je pense qu’il serait fier. Beaucoup de gens savaient faire des paniers, mes voisins d’Outeiro de Rei en faisaient pour les champs, pour ramasser les pommes de terre, mais bien sûr, le plastique est arrivé et a emporté tout ce savoir-faire. Bien qu’en Galice, nous ayons la chance que cette connaissance soit toujours vivante. Et espérons que cela durera longtemps auprès des nouvelles générations, qui veulent continuer à apprendre ces techniques. Le regret qui me reste est de ne pas avoir pu faire un panier avec mon grand-père car j’ai découvert ce monde plus tard. Mais j’aime à penser qu’il y a un fil conducteur.